Pam Evelyn: L’audacia della materia pittorica

Ascoltatemi bene, banda di snob, è tempo di parlare di Pam Evelyn (nata nel 1996 a Surrey, Regno Unito), quella tornado pittorica che scuote il mondo dell’arte contemporanea con la forza di un tifone. A soli 28 anni, ci offre una lezione magistrale su cosa significa dipingere nel XXI secolo. Dimenticate i vostri pregiudizi sui giovani artisti, questa è diversa.

La prima cosa che colpisce nel suo lavoro è questa capacità quasi soprannaturale di trasformare la pittura in una forza vivente. Le sue tele non sono semplici superfici piane coperte di pigmenti, respirano, sudano, vibrano con un’intensità che ricorda le descrizioni che Walter Benjamin faceva dell’aura delle opere d’arte. Ma attenzione, non lasciatevi ingannare: non si tratta di una semplice erede dell’espressionismo astratto americano. No, Evelyn fa qualcosa di molto più radicale, più contemporaneo, più urgente.

Il primo tema che emerge dal suo lavoro è questa relazione viscerale con la materialità della pittura. In “Hidden Scene” (2022), un trittico monumentale, Evelyn non si limita a dipingere, orchestra un vero e proprio combattimento tra superficie e profondità. Le bande di tela grezza, sparse di tracce nere, non sono semplicemente incollate sulla superficie; creano una tensione palpabile con la composizione caleidoscopica sottostante. È come se Maurice Merleau-Ponty avesse preso lezioni di pittura, la fenomenologia della percezione prende qui una forma tangibile, quasi brutale.

Questo approccio alla materialità ci ricorda ciò che Roland Barthes scriveva sulla “texture del reale”, salvo che Evelyn spinge il concetto ancora più lontano. Non si limita a suggerire la texture, la crea letteralmente, strato dopo strato, in un processo che può richiedere fino a sei mesi per una singola tela. È un metodo che richiama le teorie di Gilles Deleuze sulla piega e lo spiegamento, ma tradotto in un linguaggio pittorico decisamente contemporaneo.

Il secondo tema che attraversa la sua opera è il suo rapporto col tempo e con il movimento. Prendete “Diluvio” (2023), dove la superficie del quadro diventa il teatro di una tempesta di segni di pennello dai colori primari che scorrono come coriandoli su uno sfondo scuro e dolorante. Quest’opera non è senza ricordare le riflessioni di Henri Bergson sulla durata pura, il tempo vissuto più che il tempo misurato. Ma laddove Bergson teorizzava, Evelyn materializza.

Ciò che è affascinante in lei è la capacità di trasformare l’atto di dipingere in una sorta di performance esistenziale. Ogni tela diventa un campo di battaglia dove si gioca una lotta tra controllo e caos, tra intenzione e caso. E contrariamente ad alcuni pittori contemporanei che si limitano a riciclare i gesti dell’astrazione del dopoguerra, Evelyn inventa il proprio linguaggio pittorico.

In “Traced Train Windows” (2023), cattura l’esperienza del viaggio in treno, ma non in modo letterale. No, traduce la sensazione stessa del movimento, il modo in cui il paesaggio si deforma e si sfoca attraverso un vetro unto. È puro Henri Lefebvre, una produzione dello spazio che non si limita a rappresentare, ma che crea veramente una nuova realtà spaziale.

Ciò che mi piace particolarmente è il modo in cui usa il formato. Le sue tele non sono semplicemente grandi, sono ambiziose. Quando crea dittici di quasi 5 metri di larghezza, non lo fa per semplice desiderio di spettacolarità. No, è perché il suo linguaggio pittorico richiede questo spazio per dispiegarsi pienamente. È come se avesse capito istintivamente ciò che Robert Morris teorizzava nelle sue “Note sulla scultura”, l’importanza della scala nella nostra esperienza fisica dell’arte.

E parliamo della sua tavolozza, questi blu caldi che si scontrano con i verdi rana, questi gialli che emergono come saette in un cielo di tempesta. È come se avesse digerito tutta la storia del colore nell’arte moderna, da Turner a Howard Hodgkin, per creare qualcosa di decisamente personale. Non dipinge per piacere, dipinge per scuotere le nostre certezze su cosa può essere la pittura oggi.

Il suo lavoro in residenza agli studi Porthmeor in Cornovaglia nel 2022 segna una svolta decisiva. Di fronte al mare in tempesta e ai venti violenti, ha sviluppato un approccio ancora più fisico alla pittura. Gli elementi naturali sono diventati non solo una fonte di ispirazione, ma quasi collaboratori nel processo creativo. È affascinante vedere come abbia trasformato questa esperienza in qualcosa di profondamente personale mantenendo al contempo una distanza critica che impedisce al suo lavoro di cadere nella trappola del facile romanticismo.

In “Mirage, A Glaze of Mischief” (2023), riesce a fare qualcosa di veramente straordinario: trasformare un fenomeno effimero, un gioco di luce fugace, in qualcosa di permanente e tangibile attraverso lo spessore della pittura. I colpi di pennello luminescenti che si dispiegano dalla parte alta della tela, prima di aggrapparsi, piegarsi e frammentarsi, creano una sensazione vertiginosa di movimento congelato. È come se fosse riuscita a catturare l’essenza stessa di ciò che Maurice Blanchot chiamava “l’istante”.

Ciò che realmente distingue Evelyn dai suoi contemporanei è il suo ostinato rifiuto di accontentarsi di soluzioni facili. Dove altri giovani artisti si limitano a riprodurre formule collaudate, lei spinge costantemente i limiti di ciò che una pittura può essere. Il suo processo implica spesso la distruzione parziale delle sue opere, un atto di “sabotaggio” deliberato che ricorda le teorie di Georges Bataille sulla spesa e l’eccesso.

Attenzione però, non fraintendetemi, questa apparente violenza nel suo processo non è gratuita. Ogni gesto, anche il più distruttivo, fa parte di una ricerca più ampia sulle possibilità della pittura contemporanea. È un po’ come se mettesse in pratica le teorie di Jacques Derrida sulla decostruzione, ma con pennelli e pittura a olio anziché con le parole.

Il modo in cui lavora con il tempo è particolarmente affascinante. Le sue tele non sono semplicemente il risultato di un processo lineare, ma piuttosto di un accumulo di momenti, decisioni, pentimenti. È come se creasse opere a strati, dove ogni strato di pittura porta con sé la memoria dei gesti precedenti. Questo approccio riecheggia le riflessioni di Paul Ricoeur sulla temporalità e la narrazione, ma tradotte in un linguaggio visivo di rara potenza.

Ciò che è notevole è che, a soli 28 anni, ha già sviluppato una voce artistica di una maturità sorprendente. Le sue opere non sono semplicemente belle o impressionanti, sono necessarie. Il suo recente passaggio alla galleria Pace non è una sorpresa, era ora che il mondo dell’arte istituzionale riconoscesse il suo talento. Ma Pam Evelyn non è un’artista che si lascerà facilmente addomesticare dal mercato. Il suo lavoro conserva una ruvidezza, un’intensità che sfida la mercificazione facile.

La vera forza di Evelyn è che crea opere che funzionano simultaneamente su più livelli. I suoi dipinti sono allo stesso tempo profondamente intellettuali e visceralmente fisici, storicamente consapevoli e risolutamente contemporanei. Riuscisce in questo raro impresa: creare un’arte che parla tanto ai sensi quanto alla mente. Pam Evelyn rappresenta qualcosa di raro: una fede incrollabile nelle possibilità della pittura come mezzo di esplorazione e scoperta. Il suo lavoro ci ricorda che l’arte non è morta, è più viva che mai, a patto di avere il coraggio di spingerne i confini.