Ascoltatemi bene, banda di snob! Peter Doig, nato nel 1959 a Edimburgo, in Scozia, incarna il trionfo di una pittura narrativa che trascende i confini convenzionali tra astrazione e figurazione. Con un’ostinazione gioiosa, questo nomade incallito che ha percorso il globo da Trinidad al Canada passando per Londra, si è imposto come uno dei pittori più influenti del nostro tempo, non seguendo le mode ma sfidandole con una perseveranza esaltante.
La sua arte ci ricorda che la grande pittura non è morta, contrariamente a quanto alcuni spiriti tristi vorrebbero farci credere. Al contrario, non è mai stata così viva come nelle mani di questo artista che ridefinisce le possibilità del medium con ogni nuova tela. Un’analisi approfondita della sua opera rivela due grandi tematiche che meritano la nostra attenzione: la temporalità complessa della rappresentazione pittorica e la metamorfosi del reale attraverso il prisma della memoria.
La prima caratteristica che emerge dall’opera di Doig è il suo modo unico di affrontare la temporalità nella pittura. Questo approccio singolare trova un eco affascinante nelle teorie del filosofo francese Henri Bergson sulla durata e la memoria. Secondo Bergson, il tempo vissuto non è una successione lineare di istanti, ma un’interpenetrazione continua di stati di coscienza. Questa concezione del tempo come flusso continuo piuttosto che come successione di momenti distinti si riflette in modo notevole nella tecnica pittorica di Doig.
Prendiamo ad esempio il suo dipinto “Canal” (2023), una vista del Regent Canal a Londra dipinta dopo il suo ritorno da Trinidad. La scena apparentemente semplice, un ponte rosso acceso che attraversa un canale dalle acque verdastre, il figlio dell’artista seduto a un tavolo verde sul sentiero di riva color crema mentre una chiatta rossa e verde passa, diventa sotto il suo pennello una meditazione complessa sulla natura del tempo e della percezione. I diversi piani del dipinto sembrano esistere simultaneamente in temporalità distinte: il ponte stabile e architettonico ancorato in una permanenza quasi eterna, la figura seduta in un presente sospeso, e la chiatta che scivola in un tempo fluido e transitorio.
Questa stratificazione temporale è rafforzata dalla tecnica pittorica stessa. Doig sovrappone gli strati di vernice, creando una profondità che non è solo spaziale ma anche temporale. Alcune zone del quadro conservano la traccia visibile degli stati precedenti della pittura, come tante stratificazioni di tempo fossilizzato nella materia pittorica. Questo approccio richiama la concezione bergsoniana della memoria come accumulo continuo di esperienze che colorano la nostra percezione del presente.
Il trattamento della luce in “Canal” è particolarmente rivelatore. Piuttosto che rappresentare un momento preciso della giornata, Doig crea un’atmosfera luminosa ambigua che sembra fondere differenti ore del giorno. Questa manipolazione del tempo attraverso la luce evoca la teoria di Bergson secondo cui la nostra esperienza del presente è sempre impregnata dal nostro passato. La luminosità strana del dipinto, né del tutto diurna né realmente crepuscolare, suggerisce uno stato intermedio in cui coesistono diverse temporalità.
Un altro esempio significativo di questo approccio temporale complesso si trova in “Alpinist” (2019-2022). Lo sciatore solitario in costume da arlecchino che sale la montagna innevata sembra sospeso in un tempo indeterminato. L’opera, ispirata a una semplice cartolina, trascende la sua fonte documentaria per creare uno spazio-tempo mitico in cui passato e presente si fondono. Il costume da arlecchino, con i suoi riferimenti alla commedia dell’arte e alla storia dell’arte, introduce una dimensione temporale supplementare, creando un dialogo tra tradizione pittorica e contemporaneità.
La tecnica di Doig in quest’opera è particolarmente sofisticata. Le diverse texture della neve, dalla polvere immacolata alle zone di scioglimento fangoso, creano una progressione temporale all’interno stesso del quadro. La neve sciolta sotto i piedi dello sciatore diventa una metafora del passare del tempo, della trasformazione continua della materia. Questo approccio richiama la concezione bergsoniana del tempo come durata pura, dove ogni istante contiene in germe la propria trasformazione.
Il secondo aspetto dell’opera di Doig è la sua straordinaria capacità di trasformare il reale attraverso il prisma della memoria. Questa dimensione del suo lavoro entra in risonanza con le teorie del filosofo Maurice Merleau-Ponty sulla percezione e l’incarnazione. Per Merleau-Ponty, la nostra percezione del mondo non è mai puramente oggettiva ma sempre mediata dal nostro corpo e dalla nostra esperienza vissuta. Allo stesso modo, Doig non cerca di rappresentare il mondo così com’è, ma come viene percepito e ricordato attraverso il filtro dell’esperienza personale.
Questo approccio è particolarmente evidente in “Bather” (2019-2023), ispirato a una fotografia in bianco e nero dell’attore Robert Mitchum su una spiaggia nel 1942. Il trattamento che Doig applica a questa immagine d’archivio rivela il suo metodo. La figura monumentale del bagnante, dipinta in tonalità che sfidano qualsiasi logica naturalistica, diventa una presenza quasi spettrale. Il costume da bagno magenta sull’erba gialla crea una tensione cromatica che destabilizza la nostra percezione, mentre l’acqua e la riva lontana sono così pallidi da diventare quasi invisibili.
Questa manipolazione del colore non è semplicemente decorativa o espressiva. Essa traduce visivamente il processo stesso della memoria, dove alcuni dettagli emergono con una nitidezza surreale mentre altri svaniscono fino a scomparire quasi completamente. Questo approccio riecheggia la teoria di Merleau-Ponty secondo cui la nostra percezione è sempre selettiva e incarnata, influenzata dalle nostre esperienze precedenti e dai nostri stati emotivi.
La tecnica pittorica di Doig rafforza questa dimensione fenomenologica. Alterna diversi gradi di definizione e dissoluzione, creando zone dove la pittura sembra disintegrarsi in pura materia colorata. Questa oscillazione tra figurazione e astrazione riflette la natura stessa della nostra percezione, che oscilla costantemente tra riconoscimento e estraneità, tra familiarità e mistero.
Il processo creativo di Doig è altrettanto rivelatore quanto le sue opere finite. Spesso lavora a partire da fotografie, ma a differenza di altri artisti contemporanei, non cerca di riprodurre fedelmente le sue fonti. Al contrario, le utilizza come punti di partenza per un lungo processo di trasformazione in atelier. Le immagini vengono rielaborate, sovrapposte, parzialmente cancellate, creando testimonianze visive che riflettono la natura stessa della nostra esperienza del ricordo.
Questo approccio ricorda la concezione merleau-pontiana dell’arte come rivelazione del visibile piuttosto che come semplice rappresentazione. Per Merleau-Ponty, l’artista non copia il mondo ma lo fa apparire in una nuova luce, rivelando aspetti della realtà che sfuggono alla nostra percezione ordinaria. Allo stesso modo, Doig non dipinge tanto scene o oggetti quanto l’esperienza stessa della loro percezione e della loro rievocazione.
Il suo uso delle referenze fotografiche è particolarmente sofisticato. Piuttosto che limitarsi a trasporre immagini in pittura, le sottopone a un processo di decostruzione e ricostruzione che rivela i meccanismi stessi del nostro rapporto con le immagini. Questo approccio richiama le riflessioni di Roland Barthes sulla fotografia in “La chambre claire”, dove l’immagine fotografica non è vista come una copia del reale ma come una traccia che attiva la nostra memoria e la nostra immaginazione.
La scala delle tele di Doig svolge anche un ruolo importante nel loro impatto. Le sue grandi tele creano un’esperienza immersiva che coinvolge fisicamente lo spettatore, ricordando l’insistenza di Merleau-Ponty sulla dimensione corporea del nostro rapporto con il mondo. La dimensione monumentale di alcune opere ci costringe a muoverci fisicamente per coglierle nella loro totalità, creando un’esperienza temporale e spaziale che riflette la complessità della nostra percezione del mondo.
La materialità della sua pittura è altrettanto importante quanto i suoi soggetti. Doig manipola la pittura con una libertà disarmante, passando da applicazioni spesse a lavaggi trasparenti, creando superfici che sembrano in perpetuo mutamento. Questo approccio materiale riflette perfettamente la sua visione artistica: proprio come i nostri ricordi e le nostre percezioni sono in continua evoluzione, i suoi quadri sembrano sempre in via di formazione davanti ai nostri occhi.
In “Music Shop” (2019-2023), questa dimensione materiale è particolarmente evidente. La figura del musicista in costume da scheletro che si staglia davanti al negozio di strumenti è trattata con una varietà di tecniche che creano diversi livelli di realtà pittorica. Le zone più spesse e testurizzate contrastano con passaggi più fluidi e trasparenti, creando una tensione tra la solidità della presenza fisica e l’effimero del ricordo.
Questa manipolazione della materia pittorica non è casuale, ma profondamente legata al significato delle opere. Le diverse texture e densità della pittura creano zone di transizione tra il tangibile e l’intangibile, tra il presente e il passato, tra il reale e l’immaginario. Questo approccio risuona con la concezione merleau-pontiana della carne del mondo, dove il visibile e l’invisibile sono inestricabilmente legati.
L’influenza di Trinidad sull’opera di Doig è significativa. La sua esperienza in quest’isola dei Caraibi ha profondamente segnato la sua tavolozza e la sua visione artistica. I colori intensi e la luce particolare dei tropici hanno permeato anche le sue scene londinesi, creando ibridazioni affascinanti tra diverse realtà geografiche e climatiche. Questa fusione di luoghi riflette un’esperienza contemporanea della globalizzazione in cui i confini tra qui e altrove diventano sempre più porosi.
In “House of Music (Soca Boat)” (2023), questa influenza caraibica è particolarmente evidente. L’intensa luminosità e i colori saturi creano un’atmosfera che trascende la semplice rappresentazione locale per raggiungere una dimensione universale. Il dipinto diventa un luogo di incontro tra diverse tradizioni pittoriche, diverse esperienze culturali e diversi modi di vedere il mondo.
Nel momento in cui molti artisti contemporanei si perdono in gesticolazioni concettuali sterili o soccombono alle sirene del mercato, Doig resta fedele alla sua visione. Ci ricorda che la pittura, lontano dall’essere un medium esaurito, possiede ancora il potere di emozionarci profondamente e di farci vedere il mondo in modo diverso. La sua capacità di creare immagini che resistono all’interpretazione immediata pur rimanendo profondamente memorabili è forse la sua più grande riuscita.
In un mondo saturato di immagini istantanee e usa e getta, i suoi dipinti ci invitano a rallentare, a osservare attentamente, a perderci nelle loro profondità enigmatiche. Ogni tela diventa uno spazio di contemplazione dove il tempo sembra sospeso, dove diverse realtà si sovrappongono e si intrecciano, creando un’esperienza visiva che trascende le categorie abituali della rappresentazione.
Peter Doig non è semplicemente un grande pittore tecnico, anche se la sua padronanza del medium è innegabile. È un visionario che ha saputo creare un linguaggio pittorico unico, capace di catturare la complessità della nostra esperienza contemporanea pur inserendosi nella grande tradizione della pittura. Ci mostra che l’arte più potente nasce spesso dalla tensione tra il familiare e lo strano, tra ciò che pensiamo di conoscere e ciò che ci sfugge sempre.
La sua opera ci ricorda che la pittura, al suo meglio, non è semplicemente una rappresentazione del mondo ma un modo di vederlo e comprenderlo diversamente. Nelle sue tele, il quotidiano diventa straordinario, il banale si trasforma in mistero, e siamo invitati a riscoprire la magia che si nasconde nelle pieghe più ordinarie della nostra esistenza.
L’arte di Peter Doig rappresenta una sintesi straordinaria tra tradizione e innovazione, tra percezione e memoria, tra materialità e trascendenza. Ci offre una visione del mondo in cui il tempo non è una semplice successione di istanti ma una durata vissuta, dove la realtà non è un dato oggettivo ma una costruzione perpetua della nostra coscienza incarnata. La sua opera ci invita a ripensare non solo il nostro rapporto con la pittura, ma anche il nostro modo di essere nel mondo.
