Escuchadme bien, panda de snobs. Hoy os voy a hablar de un artista que trastornó el establecimiento artístico iraní de los años 70, Koorosh Shishegaran, nacido en 1945 en Qazvin. Un creador que convirtió la línea en un manifiesto y la calle en una obra de arte, mucho antes de que vuestros pequeños cerebros condicionados comenzaran a maravillarse con el arte urbano y otras intervenciones urbanas de moda.
Déjame contarte una historia que sacudirá tus certezas sobre el arte contemporáneo. En 1977, mientras probablemente te relajabas en tus galerías minimalistas contemplando cuadros carísimos, Shishegaran pegaba carteles a lo largo de la avenida Shahreza en Teherán proclamando que la propia calle era su obra de arte. No hacía falta un white cube, ni una inauguración con canapés y champán. La vida, la verdadera, como materia prima del arte. Esta acción, titulada “Art+Art”, no fue solo una simple provocación de un artista en busca de reconocimiento. Fue una bofetada magistral a la cara del arte institucional, un acto que resuena con el pensamiento del filósofo Walter Benjamin sobre la pérdida del aura de la obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica. Benjamin habría aplaudido con ambas manos al ver cómo Shishegaran pulverizaba la distinción entre el arte y la vida cotidiana, transformando a todo transeúnte en espectador involuntario y cada gesto urbano en una performance artística.
Pero espera, esta es solo la punta del iceberg. Desde su primera exposición en 1973 en la Mess Gallery de Teherán, Shishegaran ya había comenzado a sacudir las convenciones establecidas. En lugar de jugar el juego del mercado del arte, había optado por regalar sus obras al público. Has leído bien: REGALAR. No vender, no intercambiar, no prestar. Regalar. Un enfoque que remite directamente a las teorías de Jacques Rancière sobre el “partage du sensible”, esa distribución política de lo visible, decible y factible en una sociedad dada. Shishegaran no solo redistribuía el arte, redefinía las mismas reglas de su producción y difusión.
Entre 1973 y 1974, desarrolla lo que llama sus “Mass Production Works”, una serie de obras que anticipan por varias décadas las cuestiones sobre la reproducibilidad y accesibilidad del arte que obsesionan a nuestros contemporáneos. Utiliza pintura de automóvil sobre paneles de madera, creando composiciones donde objetos cotidianos se mezclan con motivos abstractos. Es un desdén magistral a la supuesta unicidad de la obra de arte, una celebración de la multiplicidad que prefigura las teorías de la postproducción de Nicolas Bourriaud.
Luego llega su período “Appropriation of Works of Great Artists” (1974-1976), en el que se enfrenta a los grandes maestros con una audacia que haría palidecer a Sherrie Levine. No se trata simplemente de copiar o citar, sino de digerir y transformar, de crear una nueva sintaxis visual que trasciende las fronteras culturales. Toma elementos de obras conocidas y los combina con sus propios conceptos, creando híbridos culturales que desafían toda categorización simplista.
En 1976, lanza su proyecto “Postal Art”, enviando postales artísticas por todo el mundo. No es solo mail art al estilo de Ray Johnson, es una verdadera estrategia de guerrilla artística que utiliza el sistema postal como medio. Crea en particular un cartel sobre el frágil proceso de paz en Líbano, que difunde en forma de postales enviadas a centros políticos, sociales, culturales y mediáticos en todo el mundo. El arte como vector de conciencia política, pero sin caer jamás en la trampa de la propaganda fácil.
La década de 1980 marca un punto de inflexión en su práctica, pero no se equivoquen: no es una renuncia a sus principios radicales, sino su sublimación. Desarrolla lo que se convertirá en su firma visual: esas líneas ondulantes, esas espirales infinitas que parecen bailar en el lienzo como derviches giróvagos bajo el efecto de un ácido. Estas composiciones abstractas no son simples ejercicios formales para impresionar a la galería. No, estos enredos de líneas son cartografías mentales, sismógrafos emocionales que registran las turbulencias de nuestra época.
Observa atentamente una de sus obras monumentales como este lienzo “Sin título” de 1991, que mide 184 x 298,5 centímetros. Las líneas se entrelazan, se superponen, crean profundidades vertiginosas que nos absorben en un torbellino cromático. Es como si Jackson Pollock hubiera estudiado la caligrafía persa, pero de forma más radical, más visceral. Cada línea es como una frase en un poema visual que no termina, una celebración del infinito que remite tanto a la tradición sufí como a las matemáticas del caos.
Lo que hace único a Shishegaran es que transforma la línea en un verdadero lenguaje filosófico. Sus obras son meditaciones visuales sobre el concepto deleuziano del rizoma, esa estructura no jerárquica que se desarrolla de forma impredecible, creando conexiones múltiples y horizontales. Cada cuadro es una red compleja de líneas que se entrecruzan sin principio ni fin, desafiando toda tentativa de lectura lineal. Es una patada magistral al hormiguero del arte tradicional iraní, sin dejar de estar profundamente arraigado en su cultura visual.
Toma sus series de autorretratos de 2007, expuestos en la Khak Gallery. En lugar de limitarse a una simple representación narcisista, crea treinta variaciones digitales de una misma obra, jugando con los colores y las formas para explorar las múltiples facetas de la identidad. Es un verdadero desafío a la unicidad de la obra de arte, una celebración de la multiplicidad que hace eco a las teorías de Gilles Deleuze sobre la diferencia y la repetición. Cada variación es a la vez igual y diferente, creando un vértigo conceptual que pone en duda nuestras certezas sobre la originalidad en el arte.
Durante la guerra Irán-Irak (1980-1988), mientras muchos artistas se refugiaban en un arte decorativo y seguro, Shishegaran crea una serie de dibujos que capturan el espíritu oscuro de la época. Estas obras, expuestas en la Golestan Gallery en 1990, no son ilustraciones literales del conflicto, sino testimonios emocionales profundos que trascienden el simple comentario político. Es en la abstracción donde encuentra el lenguaje más apropiado para hablar de lo indecible.
Los críticos bienpensantes probablemente objetarán que su trabajo de las últimas décadas se ha suavizado demasiado, que se ha vuelto demasiado “vendible”. Pero ahí reside precisamente su genio. Al dominar el sistema que inicialmente criticaba, Shishegaran ha logrado infiltrarse en el mercado del arte manteniendo la integridad de su visión. Sus obras recientes, como las expuestas en la Opera Gallery de Londres en 2013, no son compromisos sino evoluciones naturales de su reflexión sobre el arte como vector de cambio social.
Su influencia en el arte contemporáneo iraní es comparable a la de Joseph Beuys en el arte europeo, con la diferencia crucial de que Shishegaran tuvo que navegar en un contexto político y social mucho más complejo. Como Beuys, que proclamaba que cada hombre es un artista, Shishegaran ha demostrado que cada calle puede ser una obra de arte, que cada línea puede ser un manifiesto. Ha transformado el acto artístico en acto político sin caer nunca en la trampa de la propaganda o el mensaje simplista.
En 2014, creó “Figure”, un lienzo de 160 x 200 centímetros que representa el apogeo de su dominio técnico y conceptual. La obra es un torbellino de líneas azules, rojas y naranjas sobre un fondo gris, salpicado de trazos blancos que crean una sensación de movimiento perpetuo. Es una demostración deslumbrante de su capacidad para crear espacios psicológicos complejos a partir de simples líneas. Cada curva está meticulosamente pensada, cada intersección calculada para crear un impacto máximo. Es pintura de acción que habría sido filtrada por la geometría no euclidiana.
A través de sus “PhotoWorks” de 1995-1996, explora la fusión entre fotografía y pintura, superponiendo sus líneas características sobre paisajes y texturas naturales. No es un simple ejercicio de estilo, sino una reflexión profunda sobre la naturaleza de la representación y la relación entre diferentes medios artísticos. Estas obras híbridas anticipan las cuestiones sobre el post-medio que ocupan gran parte del arte contemporáneo actual.
Sus exposiciones recientes, como la del Bermondsey Project Space en 2020, muestran a un artista que continúa empujando los límites de su arte. Las líneas siguen ahí, pero se han vuelto más complejas, más cargadas de significado. Cada lienzo es como una partitura musical para una orquesta de emociones, donde los colores y las formas crean sinfonías visuales que desafían toda descripción sencilla.
Así que la próxima vez que te maravilles ante una instalación participativa en cualquier bienal, recuerda que Shishegaran ya hacía arte socialmente comprometido cuando la mayoría de los artistas contemporáneos de moda hoy aún usaban pañales. Y cuando contemples sus lienzos con líneas danzantes en una galería climatizada, no olvides que esos arabescos abstractos son herederos directos de sus acciones radicales de los años 1970. Portan en sí la misma voluntad de convertir el arte en una experiencia colectiva, de hacer de cada espectador un participante activo en la creación del significado.
Así que, queridos pequeños snobs, acaban de recibir una lección de historia del arte que supera ampliamente sus pequeñas categorías preconcebidas. Koorosh Shishegaran no es sólo un artista, es un revolucionario que ha entendido que el verdadero arte no se limita a las paredes de los museos. Es hora de que abran sus ojos y mentes a esta realidad. Y si no están de acuerdo, bueno, es que no han entendido nada del arte contemporáneo.
